Glossário completo de história da arte para iniciantes

Horror vacui é um termo latino que significa "medo do espaço vazio". Esse medo é baseado na crença de que espíritos malignos se aninharão nos espaços deixados em uma pintura. Os artistas costumavam inserir enfeites e símbolos entre os objetos em suas pinturas para não deixar espaço para os espíritos. Começando na arte egípcia antiga, podemos ver pinturas densamente decoradas.

Acima está um detalhe de um antigo vaso grego representando um homem andando em uma carruagem carregada por um cavalo. Observe como o artista preencheu o espaço vazio entre as pernas do cavalo com um símbolo geométrico. Este símbolo se repete em todo o vaso.

Kouros é a antiga palavra grega para menino. A forma plural é kouroi. Kore é a palavra para menina, korai no plural.

As esculturas de Kouros foram feitas como troféus para os vencedores dos antigos jogos olímpicos. Eles também tinham um significado ritualístico - eram símbolos de agradecimento ao deus Apolo.

Estas são as primeiras formas das esculturas gregas clássicas realistas, detalhadas e anatomicamente precisas que conhecemos hoje. O refinamento da representação do corpo humano aconteceu em grande parte devido aos jogos olímpicos, em que os homens participavam totalmente nus. Isso permitiu que os escultores estudassem o corpo humano.

Cada escultura era feita na forma do vencedor, mas tinha que seguir certos padrões. Os Koroi andavam sempre nus, de pé, com o peso uniforme e simetricamente distribuído em ambos os pés, com os braços junto ao corpo. Os músculos estão marcados. O rosto exibe um sorriso arqueado.

As Korai estão sempre vestidas com um vestido longo, de pé com os pés juntos. A mão costuma ser colocada no peito, e o rosto também exibe um sorriso arqueado.

Sorrisos arqueados são outra convenção padrão de esculturas humanas. O significado do sorriso é desconhecido, mas aparece na maioria das obras da época. 

Esta palavra significa "carregar em ambos os lados". Ânfora é a forma única, enquanto ânforas é plural. Qualquer vaso que você segurar dos dois lados pode ser chamado de ânfora. A palavra "anfiteatro" deriva de ânfora e é usada para descrever dois teatros unidos (dois lados) para criar um edifício redondo, como o Coliseu.

Havia 15 formas diferentes de vasos na cerâmica grega antiga. Alguns, como os Kylix, eram usados para comida e bebida, enquanto outros, como os Loutrophoros, tinham um uso estritamente ritualístico. Todos eles foram pintados e podem ser considerados arte de cerâmica grega antiga. A ânfora era outra forma para um vaso de cerâmica. As ânforas tinham várias utilizações e nem todas eram decoradas. Para aprender sobre as 15 formas de vasos, visite este website.

As cariátides são figuras humanas femininas que funcionam como colunas na arquitetura clássica. Parecem esculturas refinadas, mas também suportam peso. Eles estão em contrapposto, vestindo uma túnica drapeada com muitas dobras. Seus corpos são anatomicamente precisos.

Atlantes são as colunas da figura masculina. Na foto acima você pode ver as cariátides mais famosas e célebres, as do pórtico do Erechtheion em Atenas, na Grécia, um templo da deusa Atena.

Renascimento 

Contrapposto é italiano para "pose oposta". Este termo descreve uma postura natural relaxada e assimétrica, na qual o peso é colocado em uma perna, torcendo e afetando os quadris, joelhos, ombros, tronco e cabeça. É usado principalmente quando se discute escultura.

O contrapposto foi inventado pelos gregos no século V aC, como uma pose ideal para uma representação realista do corpo humano. O termo é freqüentemente usado para descrever esculturas em vez de pinturas. Os objetos mais famosos da história da arte em contraposição são Vênus em O Nascimento de Vênus de Sandro Botticelli  e o David de Michelangelo, ilustrados acima.

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O Salon era uma exposição de arte oficial patrocinada pelo governo francês. Este era o local para expor obras de jovens artistas recém-formados da Académie Royale de Peinture et de Sculpture. Foi inaugurado em 1667 sob o reinado de Luís XIV, no Salon d'Apollon do Palácio do Louvre em Paris. A partir de 1737, tornou-se um evento anual. Em 1748, foi constituído um júri para determinar quem poderia ou não apresentar suas obras no Salon, que era altamente conservador.

Muitos artistas adquiriram um nome no Salon, mas muitos outros fizeram seu nome minando o sistema do Salon. Os impressionistas, por exemplo, lançaram seu movimento com uma exposição independente. Nunca antes alguém ousara fazer isso! Outros artistas, que apresentaram suas obras no Salon des Refusés (Salão dos Recusados, onde você poderia expor sua obra se o júri negasse o acesso ao Salão oficial) entraram posteriormente no hall da fama da história da arte: Paul Cézanne, Camille Pissarro e Édouard Manet.

Vários outros salões abriram, alguns com júri e outros sem. Alguns existem até hoje, enquanto outros fecharam há muito tempo. As exposições de salão são muito peculiares graças à maneira como as obras são penduradas nas paredes, o que pode ser visto na pintura acima.

Em italiano, isso significa "na primeira tentativa". Este termo é usado para descrever pinturas que foram finalizadas em uma sessão, sem trabalhar em camadas ou esperar a secagem da tinta a óleo. Também é conhecido como "molhado sobre molhado". Os impressionistas usaram principalmente essa técnica. Este foi um movimento de artistas que acreditavam em capturar a primeira impressão rápida de uma cena.

Com as pinturas alla prima, não há retoques e correções. Elas são feitas rapidamente e são caracterizados por pinceladas ousadas e dinâmicas. As pinturas de Paul Cézanne e Claude Monet (ambos impressionistas) foram feitas principalmente alla prima. 

Uma técnica de pintura moderna desenvolvida por George Seurat e Paul Signac, na qual a tinta é meticulosamente aplicada na tela em pontos de cor. À distância, as cores parecem se misturar com outras cores, mas quando você olha de perto, pode ver que as cores se espalham.

O pontilhismo é o produto de uma pesquisa científica frenética sobre a luz, as teorias das cores e a retina humana. O pontilhismo é baseado na suposição de que nossa percepção das cores muda em relação às cores adjacentes. As pinturas feitas com essa técnica quebram os raios de luz em milhares de cores, para serem remontados pela retina do observador. Algumas obras famosas de pontilhismo são Entrada para o Grande Canal, Veneza – Paul Signac, Auto-Retrato 1887 – Vincent van Gogh e Retrato de M. Félix Fénéon de Paul Signac. Para entender verdadeiramente o pontilhismo, veja abaixo a peça mais famosa criada com essa técnica, junto com um close-up que revela as cores: Um domingo na La Grande Jatte, de Georges Seurat, 1884. Observe como o pintor optou por incorporar azul e vermelho no rosto da menina, algo que não vemos de longe, pois os pontos se misturam para criar um tom de pele. 

Você já deve ter ouvido falar em colagem, um termo usado para descrever uma obra de arte bidimensional composta de imagens planas recortadas e coladas. Ao fazer uma colagem, os elementos visuais geralmente são removidos de seu contexto original e combinados de forma a transmitir uma ideia distinta. Um artista pode criar os elementos que combina do zero ou usar visuais prontos - itens que já existem no mundo.

Quando o mesmo processo é feito com objetos tridimensionais, para criar uma escultura, é chamado de assemblage, o termo em francês para montagem. Ao criar uma montagem, os itens reunidos geralmente não são obras de arte. As montagens são uma manifestação ousada da arte pós-moderna, futurista e contemporânea. Nos trabalhos de assemblage, mais do que nas colagens, há um elemento de reciclagem; geralmente os itens são prontos e não esculpidos do zero. Os artistas modernos Robert Rauchenberg e Isa Genzken são famosos por suas montagens. Na imagem a seguir, Bloodydrivetrain, de John Chamberlain, 2007.

Termos gerais

Um díptico é uma obra de arte bidimensional pintada em duas telas separadas. Da mesma forma, um tríptico é feito de 3 partes separadas.

Dípticos e trípticos não são uma imagem dividida em três. Embora haja uma conexão e um diálogo entre essas partes da obra, elas não formam um quebra-cabeça.

Tradicionalmente, os trípticos eram formas de arte religiosa. Eles eram feitos de um painel central de madeira representando um ícone religioso significativo, com os outros dois painéis representando seguidores ou personagens de nível inferior. Os painéis laterais tinham metade do tamanho do painel central e eram fixados com dobradiças dobráveis, tornando o trabalho facilmente portátil.

Os dípticos na arte religiosa eram feitos de painéis de madeira do mesmo tamanho presos por uma dobradiça. Eles retratam figuras religiosas importantes do mesmo nível.

Um dos artistas não religiosos mais famosos que trabalharam com trípticos e dípticos é Hieronymus Bosch. 

Litografia

Uma forma complicada de impressão manual, tradicionalmente feita com calcário, mas também pode ser feita com alumínio. Nesse processo, uma imagem é desenhada na placa de pedra com um material ceroso ou oleoso. Após vários tratamentos químicos, a pedra torna-se como um grande carimbo que você pode pressionar para imprimir a mesma imagem repetidamente. Esta técnica requer tintas especiais à base de óleo. Artistas famosos que usaram esta técnica são Diego Rivera, Henri De Toulouse-Lautrec, Roy Lichtenstein e Andy Warhol. 

Ícone 

Anjo com Cabelos Dourados, ícone russo, Museu Russo, São Petersburgo

Ícone, termo derivado do grego εἰκών, (eikon, imagem), no campo da arte pictórica religiosa identifica uma representação sacra pintada sobre um painel de madeira. No Ocidente, ícone pode também ser qualquer imagem (seja estátua ou pintura) de representação religiosa, e não pode ser confundida com o ídolo.

O ícone é a representação da mensagem cristã descrita por palavras nos Evangelhos. Se trata de uma criação bizantina do século V, quando da oferta de uma representação da Virgem, atribuída pela tradição a São Lucas. As imagens sempre foram muito defendidas pela Igreja, como sendo a "bíblia dos que não sabem ler". Os primeiros ícones, surgiram no século II, como mostram as catacumbas de Santa Priscila em Roma. Provavelmente, os cristãos incorporaram dos judeus, a arte dos ícones e mosaicos, já que na época que o Cristianismo estava se formando, muitas sinagogas judias como a Sinagoga de Dura Europo e Beth-Alpha, começaram a utilizá-los.